Origines et écoles d'art abstrait

L'art abstrait (parfois appelé art non objectif) est une peinture ou une sculpture qui ne représente pas une personne, un lieu ou une chose dans le monde naturel. Avec l'art abstrait, le sujet de l'œuvre est ce que vous voyez: la couleur, les formes, les coups de pinceau, la taille, l'échelle et, dans certains cas, le processus lui-même, comme dans la peinture d'action. 

Les artistes abstraits s'efforcent d'être non objectifs et non figuratifs, permettant au spectateur d'interpréter le sens de chaque œuvre à leur manière. Ainsi, l'art abstrait n'est pas une vision exagérée ou déformée du monde comme on le voit dans les peintures cubistes de Paul Cézanne (1839-1906) et Pablo Picasso (1881-1973), car elles présentent un type de réalisme conceptuel. Au lieu de cela, la forme et la couleur deviennent le foyer et le sujet de la pièce.

Alors que certaines personnes peuvent affirmer que l'art abstrait ne nécessite pas les compétences techniques de l'art figuratif, d'autres voudraient en différer. Il est en effet devenu l'un des grands débats de l'art moderne. Comme l'a dit l'artiste abstrait russe Vasily Kandinsky (1866-1944):

"De tous les arts, la peinture abstraite est la plus difficile. Elle exige que vous sachiez bien dessiner, que vous ayez une sensibilité accrue à la composition et aux couleurs, et que vous soyez un vrai poète. Ce dernier est essentiel." 

Les origines de l'art abstrait

Les historiens de l'art identifient généralement le début du XXe siècle comme un moment historique important dans l'histoire de l'art abstrait. Pendant ce temps, les artistes ont travaillé pour créer ce qu'ils ont défini comme de «l'art pur»: des œuvres créatives qui n'étaient pas fondées sur des perceptions visuelles, mais sur l'imagination de l'artiste. Parmi les œuvres influentes de cette période, citons Kandinsky 1911 "Picture with a Circle" et "Caoutchouc", créés par l'artiste français d'avant-garde Francis Picabia (1879-1953) en 1909.

Les racines de l'art abstrait peuvent cependant être retracées beaucoup plus loin. Des artistes associés à des mouvements tels que l'impressionnisme et l'expressionnisme du XIXe siècle expérimentaient l'idée que la peinture peut capturer l'émotion et la subjectivité. Il ne doit pas simplement se concentrer sur des perceptions visuelles apparemment objectives. En remontant encore plus loin, de nombreuses peintures rupestres anciennes, motifs textiles et dessins de poterie ont capturé une réalité symbolique plutôt que d'essayer de présenter des objets tels que nous les voyons..

Les premiers artistes abstraits influents

Kandinsky est souvent considéré comme l'un des artistes abstraits les plus influents. Un regard sur la façon dont son style est passé de l'art figuratif à l'art pur au fil des ans est un regard fascinant sur le mouvement en général. Kandinsky lui-même était habile à expliquer comment un artiste abstrait peut utiliser la couleur pour donner un objectif de travail apparemment dénué de sens.

Kandinsky pensait que les couleurs provoquaient des émotions. Le rouge était vif et confiant; le vert était paisible avec une force intérieure; le bleu était profond et surnaturel; le jaune peut être chaud, excitant, dérangeant ou totalement fou; et le blanc semblait silencieux mais plein de possibilités. Il a également assigné des tons d'instruments à chaque couleur. Le rouge sonnait comme une trompette; le vert ressemblait à un violon en position médiane; le bleu clair sonnait comme une flûte; le bleu foncé sonnait comme un violoncelle, le jaune sonnait comme une fanfare de trompettes; le blanc sonnait comme la pause dans une mélodie harmonieuse.

Ces analogies avec les sons proviennent de l'appréciation de Kandinsky pour la musique, en particulier les œuvres du compositeur viennois contemporain Arnold Schoenberg (1874-1951). Les titres de Kandinsky se réfèrent souvent aux couleurs de la composition ou à la musique, par exemple, "Improvisation 28" et "Composition II". 

L'artiste français Robert Delaunay (1885-1941) appartenait au Blue Rider de Kandinsky (Die Blaue Reiter) groupe. Avec son épouse, Sonia Delaunay-Turk, née en Russie (1885-1979), ils ont tous deux gravité vers l'abstraction dans leur propre mouvement, l'orphisme ou le cubisme orphique..

Exemples d'art abstrait et d'artistes

Aujourd'hui, «art abstrait» est souvent un terme générique qui englobe un large éventail de styles et de mouvements artistiques. Parmi ceux-ci figurent l'art non représentatif, l'art non objectif, l'expressionnisme abstrait, art informel (une forme d'art gestuel), et même certains op art (art optique, se référant à l'art qui utilise des illusions d'optique). L'art abstrait peut être des choses gestuelles, géométriques, fluides ou figuratives qui ne sont pas visuelles telles que l'émotion, le son ou la spiritualité.

Bien que nous ayons tendance à associer l'art abstrait à la peinture et à la sculpture, il peut s'appliquer à n'importe quel support visuel, y compris l'assemblage et la photographie. Pourtant, ce sont les peintres qui retiennent le plus l'attention dans ce mouvement. Il existe de nombreux artistes notables qui représentent les différentes approches que l'on peut adopter pour l'art abstrait et ils ont eu une influence considérable sur l'art moderne.

• Carlo Carrà (1881-1966) était un peintre italien surtout connu pour son travail sur le futurisme, une forme d'art abstrait qui mettait l'accent sur l'énergie et la technologie en évolution rapide du début du XXe siècle. Au cours de sa carrière, il a également travaillé dans le cubisme et nombre de ses tableaux étaient des abstractions de la réalité. Cependant, son manifeste, "Peinture des sons, des bruits et des odeurs" (1913) a influencé de nombreux artistes abstraits. Cela explique sa fascination pour la synesthésie, un croisement sensoriel dans lequel, par exemple, on «sent» une couleur, qui est au cœur de nombreuses œuvres abstraites.
• Umberto Boccioni (1882-1916) était un autre futuriste italien qui se concentrait sur les formes géométriques et était fortement influencé par le cubisme. Son travail dépeint souvent le mouvement physique comme on le voit dans "States of Mind" (1911). Cette série de trois tableaux capture le mouvement et l'émotion d'une gare plutôt que la représentation physique des passagers et des trains.
• Kazimir Malevich (1878-1935) était un peintre russe que beaucoup décrivent comme un pionnier de l'art abstrait géométrique. L'une de ses œuvres les plus connues est "Black Square" (1915). C'est simpliste mais absolument fascinant pour les historiens de l'art car, comme le mentionne une analyse de la Tate, "c'est la première fois que quelqu'un fait une peinture qui n'est pas de quelque chose". 
• Jackson Pollock (1912-1956), un peintre américain, est souvent donné comme la représentation idéale de l'expressionnisme abstrait, ou action painting. Son travail est plus que des gouttes et des éclaboussures de peinture sur toile, mais entièrement gestuel et rythmique et utilise souvent des techniques très non traditionnelles. Par exemple, "Full Fathom Five" (1947) est une huile sur toile créée, en partie, avec des punaises, des pièces de monnaie, des cigarettes et bien plus encore. Certains de ses travaux, comme "Il y en avait sept en huit" (1945) sont immenses, s'étendant sur huit pieds de largeur.
• Mark Rothko (1903-1970) a pris les résumés géométriques de Malevitch à un nouveau niveau de modernisme avec la peinture de champ de couleur. Ce peintre américain a augmenté dans les années 1940 et simplifié la couleur en un sujet à part entière, redéfinissant l'art abstrait pour la prochaine génération. Ses peintures, telles que "Quatre Darks in Red" (1958) et "Orange, Red, and Yellow" (1961), sont aussi remarquables pour leur style que pour leur grande taille..