Histoire de l'art 101 Une marche rapide à travers les époques de l'art

Mettez vos chaussures sensées alors que nous nous embarquons dans un extrêmement visite abrégée de l'art à travers les âges. Le but de cette pièce est de frapper les points forts et de vous fournir le plus basique des différentes époques de l'histoire de l'art.

Époques préhistoriques

30,000-10,000 BCE: période paléolithique

Les peuples paléolithiques étaient strictement des chasseurs-cueilleurs et la vie était dure. Les humains ont fait un saut gigantesque dans la pensée abstraite et ont commencé à créer de l'art à cette époque. Le sujet était concentré sur deux choses: la nourriture et la nécessité de créer plus d'humains.

10000-8000 avant notre ère: période mésolithique

La glace a commencé à reculer et la vie est devenue un peu plus facile. La période mésolithique (qui a duré plus longtemps en Europe du Nord qu'au Moyen-Orient) a vu la peinture sortir des grottes et sur les rochers. La peinture est également devenue plus symbolique et abstraite.

8000-3000 avant notre ère: période néolithique

Avance rapide jusqu'au néolithique, avec agriculture et animaux domestiques. Maintenant que la nourriture était plus abondante, les gens ont eu le temps d'inventer des outils utiles comme l'écriture et la mesure. La partie mesure doit être utile pour les constructeurs de mégalithes.

Art ethnographique

Il convient de noter que l'art de "l'âge de pierre" a continué à prospérer dans le monde entier pour un certain nombre de cultures, jusqu'à nos jours. «Ethnographique» est un terme pratique qui signifie ici: «Ne va pas dans le sens de l'art occidental».

Civilisations anciennes

3500-331 BCE: Mésopotamie

La «terre entre les fleuves» a vu un nombre étonnant de cultures s'élever et tomber du pouvoir. le Sumériens nous a donné des ziggourats, des temples et beaucoup de sculptures de dieux. Plus important encore, ils ont unifié les éléments naturels et formels de l'art. le Akkadians a présenté la stèle de la victoire, dont les sculptures nous rappellent à jamais leurs prouesses au combat. le Babyloniens amélioré la stèle, en l'utilisant pour enregistrer le premier code de loi uniforme. le Assyriens se sont déchaînés avec l'architecture et la sculpture, à la fois en relief et en rond. Finalement, ce fut le Persans qui a mis toute la zone - et son art - sur la carte, alors qu'ils conquéraient des terres adjacentes.

3200-1340 avant notre ère: Égypte

L'art dans l'Égypte ancienne était de l'art pour les morts. Les Égyptiens ont construit des tombes, des pyramides (tombes élaborées) et le Sphinx (également une tombe) et les ont décorés avec des images colorées des dieux qu'ils croyaient régner dans l'au-delà.

3000-1100 avant notre ère: l'art égéen

le Minoan culture, en Crète, et la Mycéniens en Grèce nous a apporté des fresques, une architecture ouverte et aérée et des idoles en marbre.

Civilisations classiques

800-323 avant notre ère: Grèce

Les Grecs ont introduit l'éducation humaniste, qui se reflète dans leur art. La céramique, la peinture, l'architecture et la sculpture sont devenues des objets élaborés, hautement artisanaux et décorés qui ont glorifié la plus grande création de tous: les humains.

VIe-Ve siècles avant notre ère: la civilisation étrusque

Sur la péninsule italienne, les Étrusques ont embrassé l'âge du bronze de manière considérable, produisant des sculptures réputées pour être stylisées, ornementales et pleines de mouvement implicite. Ils étaient également des producteurs enthousiastes de tombes et de sarcophages, un peu comme les Égyptiens.

509 BCE-337 CE: Rome

Alors qu'ils prenaient de l'importance, les Romains ont d'abord tenté d'éliminer l'art étrusque, suivi de nombreuses attaques contre l'art grec. Empruntant librement à ces deux cultures conquises, les Romains ont créé leur propre style, celui qui a de plus en plus représenté Puissance. L'architecture est devenue monumentale, les sculptures représentaient des dieux, des déesses et des citoyens éminents renommés et, en peinture, le paysage a été introduit et les fresques sont devenues énormes.

Premier siècle-c. 526: Art paléochrétien

L'art paléochrétien se divise en deux catégories: celui de la période de persécution (jusqu'en 323) et celui qui est venu après Constantin le Grand christianisme reconnu: la période de reconnaissance. Le premier est connu principalement pour la construction de catacombes et d'art portable qui pourraient être cachés. La deuxième période est marquée par la construction active d'églises, de mosaïques et l'essor de la bookmaking. La sculpture a été rétrogradée en œuvres en relief uniquement - tout le reste aurait été considéré comme des «images gravées».

c. 526-1390: Art byzantin

Pas une transition abrupte, comme le suggèrent les dates, le style byzantin a progressivement divergé de l'art paléochrétien, tout comme l'Église orientale s'est éloignée de l'Occident. L'art byzantin se caractérise par être plus abstrait et symbolique et moins préoccupé par toute prétention de profondeur - ou la force de gravité - apparente dans les peintures ou les mosaïques. L'architecture est devenue assez compliquée et les dômes ont prédominé.

622-1492: Art islamique

À ce jour, l'art islamique est connu pour être très décoratif. Ses motifs se traduisent à merveille d'un calice à un tapis à l'Alhambra. L'islam a des interdictions contre l'idolâtrie, nous avons donc peu d'histoire picturale en conséquence.

375-750: Art de la migration

Ces années ont été assez chaotiques en Europe, car les tribus barbares ont cherché (et cherché, et cherché) des endroits où s'installer. Des guerres fréquentes ont éclaté et la réinstallation ethnique constante était la norme. L'art durant cette période était nécessairement petit et portable, généralement sous la forme d'épingles ou de bracelets décoratifs. La brillante exception à cet âge "sombre" de l'art s'est produite en Irlande, qui a eu la grande chance d'échapper à l'invasion. Pendant un temps.

750-900: la période carolingienne

Charlemagne a construit un empire qui n'a pas survécu à ses petits-fils querelleurs et ineptes, mais le renouveau culturel engendré par l'empire s'est avéré plus durable. Les monastères sont devenus de petites villes où les manuscrits étaient produits en masse. L'orfèvrerie et l'utilisation de pierres précieuses et semi-précieuses étaient en vogue.

900-1002: La période ottonienne

Le roi saxon Otto Ier a décidé qu'il pourrait réussir là où Charlemagne avait échoué. Cela n'a pas fonctionné non plus, mais l'art ottonien, avec ses fortes influences byzantines, a insufflé une nouvelle vie à la sculpture, à l'architecture et à la métallurgie..

1000-1150: Art roman

Pour la première fois dans l'histoire, l'art est décrit par un terme autre que le nom d'une culture ou d'une civilisation. L'Europe devenait de plus en plus une entité cohésive, maintenue par le christianisme et le féodalisme. L'invention de la voûte en berceau a permis aux églises de devenir des cathédrales et la sculpture est devenue une partie intégrante de l'architecture. Pendant ce temps, la peinture a continué principalement dans les manuscrits enluminés.

1140-1600: Art gothique

«Gothique» a été inventé pour la première fois (avec dérision) pour décrire le style d'architecture de cette époque, qui s'est poursuivi bien après que la sculpture et la peinture aient quitté son entreprise. L'arche gothique a permis de construire de grandes cathédrales, qui ont ensuite été décorées avec la nouvelle technologie du vitrail. Au cours de cette période, nous commençons également à apprendre des noms individuels de peintres et de sculpteurs, dont la plupart semblent soucieux de mettre tout ce qui est gothique derrière eux. En fait, à partir de 1200 environ, toutes sortes d'innovations artistiques sauvages ont commencé à se produire en Italie.

1400-1500: l'art italien du XVe siècle

C'était l'âge d'or de Florence. Sa famille la plus puissante, les Médicis (banquiers et dictateurs bienveillants), a généreusement dépensé des fonds sans fin pour la gloire et l'embellissement de leur République. Les artistes affluent pour une part des largesses et construisent, sculptent, peignent et finissent par remettre activement en question les «règles» de l'art. L'art, à son tour, est devenu beaucoup plus individualisé.

1495-1527: la haute Renaissance

Tous les chefs-d'œuvre reconnus du terme forfaitaire "Renaissance" ont été créés au cours de ces années. Leonardo, Michelangelo, Raphael et compagnie ont fait dépassant chefs-d'œuvre, en fait, que presque chaque artiste, pour toujours, n'a même pas essayer peindre dans ce style. La bonne nouvelle était qu'en raison de ces grands noms de la Renaissance, être un artiste était désormais considéré comme acceptable..

1520-1600: Maniérisme

Ici, nous avons une autre première: un abstrait terme pour une ère artistique. Les artistes de la Renaissance, après la mort de Raphaël, continuent d'affiner la peinture et la sculpture, mais ils ne cherchaient pas un nouveau style. Au lieu de cela, ils ont créé à la manière technique de leurs prédécesseurs.

1325-1600: La Renaissance en Europe du Nord

Une renaissance s'est produite ailleurs en Europe, mais pas par étapes clairement définies comme en Italie. Les pays et les royaumes s'affairaient à gagner de l'importance (combats), et il y avait cette rupture notable avec l'Église catholique. L'art a pris un siège arrière à ces autres événements, et les styles sont passés du gothique à la Renaissance au baroque dans une sorte de base non cohésive, artiste par artiste.

1600-1750: Art baroque

L'humanisme, la Renaissance et la Réforme (entre autres facteurs) ont travaillé ensemble pour laisser le Moyen Âge à jamais, et l'art est devenu accepté par les masses. Les artistes de la période baroque ont introduit les émotions humaines, la passion et une nouvelle compréhension scientifique dans leurs œuvres, dont beaucoup ont conservé des thèmes religieux, quelle que soit l'Église chère aux artistes..

1700-1750: Rococo

Dans ce que certains jugeraient mal avisé, Rococo a fait passer l'art baroque du "régal pour les yeux" à la gourmandise visuelle pure et simple. Si l'art ou l'architecture pouvaient être dorés, embellis ou autrement repris sur le "dessus", Rococo a férocement ajouté ces éléments. Comme période, c'était (heureusement) bref.

1750-1880: néoclassicisme contre romantisme

Les choses s'étaient suffisamment relâchées, à cette époque, pour que deux styles différents puissent rivaliser pour le même marché. Le néoclassicisme se caractérise par une étude (et une copie) fidèle des classiques, combinée à l'utilisation d'éléments mis en lumière par la nouvelle science de l'archéologie. Le romantisme, en revanche, défie toute caractérisation facile. C'était plutôt une attitude-un rendu acceptable par les Lumières et l'aube de la conscience sociale. Des deux, le romantisme a eu beaucoup plus d'impact sur le cours de l'art à partir de ce moment.

Années 1830-1870: réalisme

Oubliant les deux mouvements ci-dessus, les réalistes ont émergé (d'abord doucement, puis assez fort) avec la conviction que l'histoire n'avait pas de sens et que les artistes ne devaient rien rendre qu'ils n'avaient pas personnellement expérimenté. Dans un effort pour faire l'expérience des «choses», ils se sont impliqués dans des causes sociales et, sans surprise, se sont souvent retrouvés du mauvais côté de l'autorité. L'art réaliste se détache de plus en plus de la forme et embrasse la lumière et la couleur.

Années 1860-1880: l'impressionnisme

Là où le réalisme s'est éloigné de la forme, l'impressionnisme a jeté la forme par la fenêtre. Les impressionnistes étaient à la hauteur de leur nom (qu'ils n'avaient certainement pas inventé eux-mêmes): l'art était une impression, et en tant que tel, il pouvait être rendu entièrement par la lumière et la couleur. Le monde a d'abord été scandalisé par leur effronterie, puis a accepté. Avec l'acceptation vint la fin de l'impressionnisme en tant que mouvement. Mission accomplie; l'art était désormais libre de se propager de la manière qu'il choisissait.

Les impressionnistes ont tout changé lorsque leur art a été accepté. Dès lors, les artistes ont toute latitude pour expérimenter. Même si le public détestait les résultats, c'était toujours de l'art et accordaient ainsi un certain respect. Les mouvements, les écoles et les styles, en nombre vertigineux, sont venus, sont allés, ont divergé les uns des autres et parfois fusionnés.

Il n'y a vraiment aucun moyen d'accorder tout de ces entités, même une brève mention ici, donc nous allons maintenant couvrir seulement quelques-uns des noms les plus connus.

1885-1920: postimpressionnisme

Il s'agit d'un titre pratique pour ce qui n'était pas un mouvement mais un groupe d'artistes (principalement Cézanne, Van Gogh, Seurat et Gauguin) qui ont dépassé l'impressionnisme et se sont lancés dans d'autres projets distincts. Ils ont gardé la lumière et la couleur apportées par l'impressionnisme mais ont essayé de mettre certains des autres éléments de forme d'art et ligne, par exemple dos dans art.

1890-1939: les fauves et l'expressionnisme

Les Fauves ("bêtes sauvages") étaient des peintres français dirigés par Matisse et Rouault. Le mouvement qu'ils ont créé, avec ses couleurs sauvages et ses représentations d'objets et de personnes primitifs, est devenu connu sous le nom d'expressionnisme et s'est répandu, notamment, en Allemagne..

1905-1939: cubisme et futurisme

En France, Picasso et Braque ont inventé le cubisme, où les formes organiques se décomposaient en une série de formes géométriques. Leur invention s'avérerait essentielle à la Bauhaus dans les années à venir, tout en inspirant la première sculpture abstraite moderne.

Pendant ce temps, en Italie, le futurisme s'est formé. Ce qui a commencé comme un mouvement littéraire est passé à un style d'art qui embrassait les machines et l'ère industrielle.

1922-1939: le surréalisme

Le surréalisme consistait à découvrir le sens caché des rêves et à exprimer le subconscient. Ce n'est pas un hasard si Freud avait déjà publié ses études psychanalytiques révolutionnaires avant l'émergence de ce mouvement.

1945 à nos jours: expressionnisme abstrait

La Seconde Guerre mondiale (1939-1945) a interrompu tout nouveau mouvement dans l'art, mais l'art est revenu avec une vengeance en 1945. Émergeant d'un monde déchiré, l'expressionnisme abstrait a tout rejeté, y compris les formes reconnaissables, sauf l'expression de soi et l'émotion brute.

Fin des années 1950-présent: Pop et Op Art

En réaction contre l'expressionnisme abstrait, le Pop Art a glorifié les aspects les plus banals de la culture américaine et les a appelés art. C'était amusement l'art, cependant. Et dans le "happening" du milieu des années 60, l'Op (un terme abrégé pour l'illusion d'optique) Art est venu sur la scène, juste à temps pour bien s'intégrer à la musique psychédélique..

Des années 1970 à aujourd'hui

Ces dernières années, l'art a changé à une vitesse fulgurante. Nous avons assisté à l'avènement de l'art de la performance, de l'art conceptuel, de l'art numérique et de l'art du choc, pour ne citer que quelques nouvelles offres.

Les idées dans l'art ne cesseront de changer et d'aller de l'avant. Pourtant, alors que nous évoluons vers une culture plus globale, notre art nous rappellera toujours notre passé collectif et respectif.