Biographie d'Ellsworth Kelly, artiste minimaliste

Ellsworth Kelly (31 mai 1923-27 décembre 2015) était un artiste américain qui a joué un rôle clé dans le développement de l'art minimaliste aux États-Unis.Il était également associé à la peinture aux bords durs et à la peinture Color Field. Kelly est surtout connu pour ses toiles unicolores "en forme" qui vont au-delà des formes carrées ou rectangulaires typiques. Il a également produit des sculptures et des gravures tout au long de sa carrière.

Faits en bref: Ellsworth Kelly

• Occupation: Artiste
• Née: 31 mai 1923 à Newburgh, New York
• Décédés: 27 décembre 2015 à Spencertown, New York
• Éducation: Institut Pratt, École du Musée des beaux-arts
• Œuvres choisies: "Red Blue Green" (1963), "White Curve" (2009), "Austin" (2015)
• Citation notable: "Le négatif est tout aussi important que le positif."

Jeunesse et éducation

Né à Newburgh, New York, Ellsworth Kelly était le deuxième des trois fils du dirigeant de la compagnie d'assurance Allan Howe Kelly et de l'ancienne institutrice Florence Githens Kelly. Il a grandi dans la petite ville d'Oradell, New Jersey. La grand-mère paternelle de Kelly l'a initié à l'observation des oiseaux à l'âge de huit ou neuf ans. Le travail du légendaire ornithologue John James Audubon influencera Kelly tout au long de sa carrière.

Ellsworth Kelly a fréquenté des écoles publiques, où il a excellé dans ses cours d'art. Ses parents étaient réticents à encourager les inclinations artistiques de Kelly, mais un enseignant a soutenu son intérêt. Kelly s'est inscrit aux programmes d'arts du Pratt Institute en 1941. Il y a étudié jusqu'à son entrée dans l'armée américaine le 1er janvier 1943..

Service militaire et carrière artistique précoce

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Ellsworth Kelly a servi avec d'autres artistes et designers dans une unité appelée The Ghost Army. Ils ont créé des réservoirs gonflables, des camions de son et de fausses transmissions radio pour tromper l'ennemi sur le champ de bataille. Kelly a servi avec l'unité dans le théâtre européen de la guerre.

L'exposition au camouflage pendant la guerre a influencé l'esthétique en développement de Kelly. Il était intéressé par l'utilisation de la forme et de l'ombre et la capacité du camouflage pour cacher des objets à la vue.

Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, Kelly a utilisé des fonds du G.I. Projet de loi pour étudier à l'École du Musée des beaux-arts de Boston, Massachusetts. Plus tard, il a fréquenté l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, France. Là, il a rencontré d'autres Américains tels que le compositeur d'avant-garde John Cage et le chorégraphe Merce Cunningham. Il s'est également associé à l'artiste surréaliste français Jean Arp et au sculpteur roumain Constantin Brancusi. L'utilisation de formes simplifiées par ce dernier a eu un effet profond sur le style de développement de Kelly.

Ellsworth Kelly a déclaré qu'un développement clé de son style de peinture à Paris était de comprendre ce qu'il n'a pas veulent dans une peinture: "[Je] ai juste continué à jeter des choses, comme des marques, des lignes et le bord peint." Sa découverte personnelle des œuvres de fin de carrière de Claude Monet aux couleurs vives en 1952 a inspiré Kelly à explorer encore plus de liberté dans sa propre peinture..

Kelly a établi des liens étroits avec ses collègues artistes à Paris, mais son travail ne se vendait pas lorsqu'il est parti aux États-Unis en 1954 et s'est installé à Manhattan. Au début, les Américains semblaient quelque peu mystifiés par les toiles minimalistes de Kelly aux couleurs vives et aux formes géométriques. Selon Kelly, les Français lui ont dit qu'il était trop américain et les Américains ont dit qu'il était trop français.

La première exposition personnelle de Kelly a eu lieu à la Betty Parsons Gallery de New York en 1956. En 1959, le Museum of Modern Art a inclus Kelly dans leur exposition historique 16 Américains aux côtés de Jasper Johns, Frank Stella et Robert Rauschenberg, entre autres. Sa réputation grandit rapidement.

Style de peinture et minimalisme

Contrairement à beaucoup de ses contemporains, Ellsworth Kelly n'a montré aucun intérêt à exprimer ses émotions, à créer des concepts ou à raconter une histoire avec son art. Au lieu de cela, il était intéressé par ce qui s'était passé lors de la visualisation. Il était curieux de voir l'espace entre le tableau et la personne qui le regardait. Il a finalement abandonné les contraintes des toiles carrées ou rectangulaires typiques dans les années 1960. Au lieu de cela, il a utilisé une variété de formes. Kelly les a appelés des toiles en forme. Parce qu'il n'utilisait que des couleurs vives isolées et des formes simples, son travail était considéré comme faisant partie du minimalisme.

En 1970, Ellsworth Kelly a quitté Manhattan. Il voulait échapper à une vie sociale occupée qui dévorait son temps en produisant de l'art. Il a construit un complexe de 20 000 pieds carrés à trois heures au nord de Spencertown, à New York. L'architecte Richard Gluckman a conçu le bâtiment. Il comprenait un studio, un bureau, une bibliothèque et des archives. Kelly y a vécu et travaillé jusqu'à sa mort en 2015. Au cours des années 1970, Kelly a commencé à incorporer plus de courbes dans son travail et les formes de ses toiles.

Au début des années 1970, Ellsworth Kelly était suffisamment en vue dans l'art américain pour faire l'objet de rétrospectives majeures. Le Musée d'art moderne a accueilli sa première rétrospective Kelly en 1973. Ellsworth Kelly Peintures et sculptures récentes suivi en 1979. Ellsworth Kelly: une rétrospective voyagé aux États-Unis, au Royaume-Uni et en Allemagne en 1996.

Kelly a également travaillé sur la sculpture en acier, aluminium et bronze. Ses pièces sculpturales sont aussi minimes que ses peintures. Ils sont principalement concernés par la simplicité de la forme. Les sculptures sont conçues pour être vues rapidement, parfois d'un seul coup d'œil.

Le projet d'art final d'Ellsworth Kelly était un bâtiment de 2 700 pieds carrés influencé par des églises romanes qu'il n'a jamais vues dans leur forme achevée. Nommé «Austin», il se trouve à Austin, au Texas, dans le cadre de la collection permanente du Blanton Museum et ouvert au public en février 2018. Les façades du bâtiment comprennent des fenêtres en verre soufflé dans des couleurs simples qui reflètent le travail de la vie de Kelly.

Vie privée

Ellsworth Kelly était connu comme un homme timide dans sa vie personnelle. Enfant, il a eu un bégaiement et est devenu un «solitaire». Pendant les 28 dernières années de sa vie, Kelly a vécu avec son partenaire, le photographe Jack Shear. Shear est devenu directeur de la Ellsworth Kelly Foundation.

Héritage et influence

En 1957, Ellsworth Kelly a reçu sa première commande publique pour créer une sculpture de 65 pieds de long intitulée "Sculpture pour un grand mur" pour le Transportation Building au Penn Center à Philadelphie. C'était sa plus grande œuvre à ce jour. Cette pièce a finalement été démantelée, mais un large éventail de sculptures publiques existe toujours dans le cadre de l'héritage de Kelly.

Certaines de ses œuvres publiques les plus connues comprennent:

• "Curve XXII (I Will)" (1981), Lincoln Park à Chicago
• "Blue Black" (2001), Pulitzer Arts Foundation à St. Louis
• "White Curve" (2009), Art Institute of Chicago

Le travail de Kelly est considéré comme un précurseur d'artistes comme Dan Flavin et Richard Serra. Leurs pièces sont également axées sur l'expérience de la visualisation de l'art au lieu d'essayer de transmettre un concept spécifique.

La source

• Paik, Tricia. Ellsworth Kelly. Phaidon Press, 2015.