La définition de la «forme» dans l'art

Le terme forme peut signifier plusieurs choses différentes dans l'art. Forme est l'un des sept éléments de l'art et connote un objet tridimensionnel dans l'espace. UNE analyse formelle d'une œuvre d'art décrit comment les éléments et les principes de l'œuvre d'art ensemble, indépendamment de leur signification et des sentiments ou des pensées qu'ils peuvent susciter chez le spectateur. finalement, forme est également utilisé pour décrire la nature physique de l'œuvre d'art, comme dans la sculpture en métal, une peinture à l'huile, etc..

Lorsqu'il est utilisé en tandem avec le mot art un péché Forme d'art, cela peut aussi signifier un médium d'expression artistique reconnu comme un art ou un médium non conventionnel si bien, adroitement ou de manière créative qu'il l'élève au niveau des beaux-arts.

Un élément de l'art

La forme est l'un des sept éléments de l'art qui sont les outils visuels qu'un artiste utilise pour composer une œuvre d'art. De plus, pour former, ils incluent la ligne, la forme, la valeur, la couleur, la texture et l'espace. Comme élément d'art, forme connote quelque chose qui est en trois dimensions et renferme le volume, ayant la longueur, la largeur et la hauteur, par rapport à forme, qui est à deux dimensions ou plat. Une forme est une forme en trois dimensions et, comme les formes, peut être géométrique ou organique.

Formes géométriques sont des formes qui sont mathématiques, précises et peuvent être nommées, comme dans les formes géométriques de base: sphère, cube, pyramide, cône et cylindre. Un cercle devient une sphère en trois dimensions, un carré devient un cube, un triangle devient une pyramide ou un cône.

Les formes géométriques se trouvent le plus souvent dans l'architecture et l'environnement bâti, bien que vous puissiez également les trouver dans les sphères des planètes et des bulles, et dans le motif cristallin des flocons de neige, par exemple.

Formes organiques sont ceux qui sont fluides, sinueux, nerveux et qui ne sont pas symétriques ou facilement mesurables ou nommés. Ils se produisent le plus souvent dans la nature, comme dans les formes de fleurs, de branches, de feuilles, de flaques d'eau, de nuages, d'animaux, de la figure humaine, etc., mais peuvent également être trouvés dans les bâtiments audacieux et fantaisistes de l'architecte espagnol Antoni Gaudi (1852 à 1926) ainsi que dans de nombreuses sculptures.

Forme en sculpture

La forme est le plus étroitement liée à la sculpture, car il s'agit d'un art en trois dimensions et a traditionnellement consisté presque principalement en forme, la couleur et la texture étant subordonnées. Les formes tridimensionnelles peuvent être vues de plus d'un côté. Traditionnellement, les formes pouvaient être vues de tous les côtés, appelées sculpture dans le rond, ou dans le soulagement, ceux dans lesquels les éléments sculptés restent attachés à un fond uni, y compris bas-relief, haut-relief, et relief creux. Historiquement, les sculptures ont été faites à l'image de quelqu'un, pour honorer un héros ou un dieu.

Le XXe siècle a cependant élargi le sens de la sculpture, annonçant le concept de formes ouvertes et fermées, et le sens continue de s'étendre aujourd'hui. Les sculptures ne sont plus seulement figuratives, statiques, papeterie, des formes avec une masse opaque solide qui a été sculptée dans la pierre ou modelée dans le bronze. La sculpture d'aujourd'hui peut être abstraite, assemblée à partir d'objets différents, cinétique, évoluer avec le temps, ou fabriquée à partir de matériaux non conventionnels comme la lumière ou les hologrammes, comme dans le travail du célèbre artiste James Turrell.

Les sculptures peuvent être caractérisées en termes relatifs comme des formes fermées ou ouvertes. UNE forme fermée a une sensation similaire à la forme traditionnelle d'une masse opaque solide. Même si des espaces existent dans le formulaire, ils sont contenus et confinés. Une forme fermée a un focus dirigé vers l'intérieur sur la forme elle-même, isolée de l'espace ambiant. Un formulaire ouvert est transparent, révélant sa structure, et a donc une relation plus fluide et dynamique avec l'espace ambiant. L'espace négatif est une composante majeure et la force d'activation d'une sculpture de forme ouverte. Pablo Picasso (1881 à 1973), Alexander Calder (1898 à 1976) et Julio Gonzalez (1876 à 1942) sont des artistes qui ont créé des sculptures de forme ouverte, faites de fil et d'autres matériaux.

Henry Moore (1898 à 1986), le grand artiste anglais qui, avec sa contemporaine, Barbara Hepworth (1903 à 1975), étaient les deux sculpteurs britanniques les plus importants de l'art moderne, ont tous deux révolutionné la sculpture en étant les premiers à percer la forme de leurs sculptures biomorphiques (bio = vie, morphique = forme). Elle l'a fait en 1931, et il l'a fait en 1932, notant que «même l'espace peut avoir une forme» et qu'un «trou peut avoir autant de signification de forme qu'une masse solide». 

Forme en dessin et peinture

Dans le dessin et la peinture, l'illusion de la forme tridimensionnelle est véhiculée par l'utilisation de l'éclairage et des ombres, et le rendu de la valeur et du ton. La forme est définie par le contour extérieur d'un objet, c'est ainsi que nous le percevons et commençons à lui donner un sens, mais la lumière, la valeur et l'ombre aident à donner une forme et un contexte à l'objet dans l'espace afin que nous puissions l'identifier pleinement.

Par exemple, en supposant une seule source de lumière sur une sphère, le point culminant est l'endroit où la source de lumière frappe directement; le ton moyen est la valeur médiane sur la sphère où la lumière ne frappe pas directement; l'ombre centrale est la zone de la sphère que la lumière n'atteint pas du tout et est la partie la plus sombre de la sphère; l'ombre projetée est la zone sur les surfaces environnantes qui est bloquée de la lumière par l'objet; le reflet réfléchi est la lumière qui est réfléchie sur l'objet à partir des objets et des surfaces environnantes. En tenant compte de ces lignes directrices concernant la lumière et l'ombrage, toute forme simple peut être dessinée ou peinte pour créer l'illusion d'une forme tridimensionnelle.

Plus le contraste est grand, plus la forme tridimensionnelle est prononcée. Les formes qui sont rendues avec peu de variation de valeur semblent plus plates que celles qui sont rendues avec plus de variation et de contraste.

Historiquement, la peinture est passée d'une représentation plate de la forme et de l'espace à une représentation tridimensionnelle de la forme et de l'espace, à l'abstraction. La peinture égyptienne était plate, avec la forme humaine présentée de face mais avec la tête et les pieds de profil. L'illusion réaliste de la forme n'a pas eu lieu jusqu'à la Renaissance avec la découverte de la perspective. Des artistes baroques tels que le Caravage (1571 à 1610) ont exploré la nature de l'espace, la lumière et l'expérience tridimensionnelle de l'espace en utilisant le clair-obscur, le fort contraste entre la lumière et l'obscurité. La représentation de la forme humaine est devenue beaucoup plus dynamique, le clair-obscur et le raccourci donnant aux formes un sentiment de solidité et de poids et créant un puissant sens du drame. Le modernisme a permis aux artistes de jouer avec la forme de manière plus abstraite. Des artistes comme Picasso, avec l'invention deLe cubisme, a brisé la forme pour impliquer un mouvement à travers l'espace et le temps.

Analyser une œuvre d'art

Lors de l'analyse d'une œuvre d'art, une analyse formelle est distincte de celle de son contenu ou de son contexte. Une analyse formelle signifie appliquer les éléments et les principes de l'art pour analyser visuellement l'œuvre. L'analyse formelle peut révéler des décisions de composition qui contribuent à renforcer le contenu, l'essence de l'œuvre, le sens et l'intention de l'artiste, ainsi qu'à donner des indices sur le contexte historique.

Par exemple, les sentiments de mystère, d'admiration et de transcendance qui sont évoqués dans certains des chefs-d'œuvre de la Renaissance les plus durables, tels que Mona Lisa (Léonard de Vinci, 1517), La création d'Adam (Michel-Ange, 1512), le Dernière Cène (Leonardo da Vinci, 1498) sont distincts des éléments et des principes de composition formels tels que la ligne, la couleur, l'espace, la forme, le contraste, l'accent, etc., l'artiste utilisé pour créer la peinture et qui contribuent à sa signification, son effet et une qualité intemporelle.

Ressources et lectures complémentaires

• Forme, Musée de la Tate, http://www.tate.org.uk/art/art-terms/f/form
• L'art de la sculpture, Encyclopédie de l'art, http://www.visual-arts-cork.com/sculpture.htm
• Le trou de la vie, Musée de la Tate, http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/hole-of-life
• Barbara Hepworth contre Henry Moore, CultureWhisper, https://www.culturewhisper.com/r/article/preview/3670
• Oeuvres d'Antoni Gaudi, http://whc.unesco.org/en/list/320
• Fondation Henry Moore, https://www.henry-moore.org
• Barbara Hepworth, https://barbarahepworth.org.uk
• James Turrell, http://jamesturrell.com

Ressources pour les enseignants

• Les éléments de l'art: forme, niveau scolaire: 3-4, Galerie nationale d'art, https://www.nga.gov/content/ngaweb/education/teachers/lessons-activities/elements-of-art/form.html
• Forme et forme dans l'art: programme d'enseignement pour les élèves de la maternelle à la 4e année, Guide de l'enseignant, http://gettingtoknow.com/wp-content/uploads/shapeinartTG.pdf