Art de la performance

Le terme «Performance Art» a fait son apparition dans les années 1960 aux États-Unis. Il était à l'origine utilisé pour décrire tout événement artistique en direct qui comprenait des poètes, des musiciens, des cinéastes, etc. - en plus des artistes visuels. Si vous n'étiez pas là dans les années 1960, vous avez manqué un large éventail de concerts "Happenings", "Events" et Fluxus ", pour ne nommer que quelques-uns des mots descriptifs utilisés..

Il convient de noter que, même si nous faisons référence aux années 1960 ici, il y avait des précédents antérieurs pour la Performance Art. Les performances live des dadaïstes, en particulier, mêlent poésie et arts visuels. Le Bauhaus allemand, fondé en 1919, comprenait un atelier de théâtre pour explorer les relations entre l'espace, le son et la lumière. Le Black Mountain College (fondé [aux États-Unis] par des instructeurs du Bauhaus exilés par le parti nazi), a continué à incorporer des études théâtrales aux arts visuels - 20 bonnes années avant les événements des années 60. Vous avez peut-être aussi entendu parler des "Beatniks" - de manière stéréotypée: fumer des cigarettes, porter des lunettes de soleil et porter des bérets noirs, des habitués des cafés de la poésie de la fin des années 1950 et du début des années 1960. Bien que le terme n'ait pas encore été inventé, tous étaient des précurseurs de la Performance Art.

Le développement de l'art de la performance

En 1970, Performance Art était un terme mondial, et sa définition un peu plus spécifique. "L'art de la performance" signifiait que c'était en direct, et c'était de l'art, pas du théâtre. L'art de la performance signifiait également que c'était de l'art qui ne pouvait pas être acheté, vendu ou échangé comme marchandise. En fait, cette dernière phrase est d'une importance capitale. Les artistes de la performance ont vu (et voient) le mouvement comme un moyen de présenter leur art directement à un forum public, éliminant ainsi complètement le besoin de galeries, d'agents, de courtiers, de comptables et de tout autre aspect du capitalisme. C'est une sorte de commentaire social sur la pureté de l'art, vous voyez.

En plus des artistes visuels, des poètes, des musiciens et des cinéastes, la Performance Art dans les années 1970 englobe désormais la danse (chanson et danse, oui, mais n'oubliez pas que c'est ne pas "théâtre"). Parfois, tout ce qui précède sera inclus dans une "pièce" de performance (on ne sait jamais). Depuis que la Performance Art est en direct, deux performances ne sont jamais exactement les mêmes.

Les années 1970 ont également vu l'apogée du "Body Art" (une ramification de la Performance Art), qui a commencé dans les années 1960. Dans le Body Art, la chair propre de l'artiste (ou la chair des autres) est la toile. L'art corporel peut aller de couvrir des volontaires avec de la peinture bleue puis de les faire tordre sur une toile, à l'automutilation devant un public. (Le Body Art est souvent dérangeant, comme vous pouvez bien l'imaginer.)

De plus, les années 1970 ont vu l'essor de l'autobiographie incorporée dans une pièce de performance. Ce genre de narration est beaucoup plus amusant pour la plupart des gens que, par exemple, de voir quelqu'un tirer avec une arme à feu. (Cela s'est réellement produit, dans une pièce Body Art, à Venise, en Californie, en 1971.) Les pièces autobiographiques sont également une excellente plate-forme pour présenter ses points de vue sur les causes ou les problèmes sociaux.

Depuis le début des années 80, la Performance Art a de plus en plus incorporé des supports technologiques en pièces - principalement parce que nous avons acquis des quantités exponentielles de nouvelles technologies. Récemment, en fait, un musicien pop des années 80 a fait la une des pièces Performance Art qui utilisent une présentation Microsoft® PowerPoint comme point culminant de la performance. Là où va la Performance Art, il ne s'agit que d'allier technologie et imagination. En d'autres termes, il n'y a pas de frontières prévisibles pour la Performance Art.

Quelles sont les caractéristiques de l'art de la performance?

• L'art de la performance est en direct.
• L'art de la performance n'a pas de règles ou de directives. C'est de l'art parce que l'artiste dit que c'est de l'art. C'est expérimental.
• L'art de la performance n'est pas à vendre. Il peut cependant vendre des billets d'entrée et des droits cinématographiques.
• L'art de la performance peut comprendre de la peinture ou de la sculpture (ou les deux), du dialogue, de la poésie, de la musique, de la danse, de l'opéra, des séquences de films, des téléviseurs allumés, des lumières laser, des animaux vivants et du feu. Ou tout ce qui précède. Il y a autant de variables qu'il y a d'artistes.
• L'art de la performance est un mouvement artistique légitime. Il a une longue durée de vie (certains artistes-interprètes, en fait, ont des œuvres assez importantes) et est un programme d'études de niveau dans de nombreux établissements postsecondaires..
• Dada, le futurisme, le Bauhaus et le Black Mountain College ont tous inspiré et contribué à ouvrir la voie à la Performance Art.
• L'art de la performance est étroitement lié à l'art conceptuel. Fluxus et Body Art sont tous deux des types d'art de la performance.
• L'art de la performance peut être divertissant, amusant, choquant ou horrifiant. Quel que soit l'adjectif qui s'applique, il est censé être mémorable.

_{La source: Rosalee Goldberg: «Performance Art: Developments from the 1960s», The Grove Dictionary of Art Online, (Oxford University Press) http://www.oxfordartonline.com/public/}